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Con i due film presentati a Cannes, The Day After e La caméra de Claire, Hong Sangsoo si conferma cineasta dello sdoppiamento indefinito, della ripetizione con varianti, dell’infinito propagarsi di unità, tra loro speculari e intercambiabili.

In pieno spirito Nouvelle Vague, con Barbara Amalric realizza un film sul cinema, autobiografico, in omaggio a un’icona della canzone francese degli anni Sessanta e Settanta e al talento dell’interprete che la impersona, Jeanne Balibar.

Ozon cita De Palma alla sua maniera in L'amant double, presentato in concorso, mentre in 24 Frames Kiarostami consegna il suo addio con un inno al cinema, luce del mondo.

I fratelli Safdie, per la prima volta in concorso ufficiale a Cannes, danno uno scossone alla competizione con l'adrenalinico Good Time. Fuori concorso, Depardon racconta i meandri burocratici della follia con 12 jours.

Non convince The Beguiled di Sofia Coppola, remake del classico di Don Siegel, di cui non sa ricreare il fascino morboso. Sorprende nella sezione Un certain regard Tesnota (Closeness) del giovanissimo Kantemir Balagov, guidato dall'indomita bellezza della sua protagonista.

Nella competizione principale non convince del tutto Hikari, poetico mélo di Naomi Kawase. Alla Semaine torna Yann Gonzalez con il corto Les Îles, colmo di riferimenti pop, pittorici e alla fotografia camp.

In Happy End di Haneke un bellissimo angelo sterminatore veglia sulla dissoluzione della famiglia borghese. La stessa raccontata da un Lanthimos ormai di maniera. E alla Quinzaine arriva Leonardo Di Costanzo.

Hazanavicius, in concorso con Le Redoutable, si fa burla di Godard. Per fortuna c'è Dumont: la sua infanzia di Giovanna D'Arco è la folgorazione del festival. E Lanzmann torna in Corea per un viaggio in prima persona.

Nella Quinzaine des realizateurs, il ritorno di Philippe Garrel con L'amant d'un jour e la rivelazione di Jonas Carpignano: il suo A ciambra è, senza dubbio, il miglior film italiano in programma quest'anno.

La competizione di Cannes 70 si apre con il magnifico Nelyubov – Loveless di Andrey Zvyagintsev.

Nell'epoca della fumetizzazione del blockbuster hollywoodiano, la necessità di raccontare il prima, il dopo e il durante spinge il mercato verso appendici sempre più artificiose e artificiali, finendo per annichilire la divagazione dello spettatore.

L'introduzione a L'invenzione del reale (Contrasto), in cui l'autore riassume l'esigenza di dare risposte a domande, pratiche e teoriche, generate dal lavoro di un gruppo di autori scelti che hanno contribuito a rinnovare il cinema italiano degli ultimi anni.

Una riflessione sulla rappresentazione mediatica e artistica della comunità trans, tra l'appropriazione della sua cultura e l'immagine che il gruppo rappresentato recepisce di se stesso. La possibilità di raccontare soggettività minoritarie e il rischio di una visibilità “a doppio taglio”.

Primo capitolo di un reportage dedicato alle sale cinematografiche abbandonate. Dietro ogni sala c'è una storia, intorno a ogni edificio un territorio: tra incuria e desolazione, è possibile ricostruire il senso collettivo della fruizione cinematografica.

È passato mezzo secolo dalla rassegna torinese che nel maggio 1967 portò per la prima volta in Italia un’ampia selezione del New American Cinema presentata da Jonas Mekas e che ha molto influenzato lo sperimentale italiano di quegli anni.

Sono molte e differenti le ragioni che rendono Twin Peaks la serie TV più importante di sempre. Come per Fuoco cammina con me la definizione di prequel era fuorviante, con The Return non stiamo assistendo a un sequel, ma a un upgrade lanciato nel futuro.

Ceux qui font les révolutions à moitié n'ont fait que se creuser un tombeau di Mathieu Denis e Simon Lavoie prende il via dalla rivolta studentesca in Québec del 2012 per indagare la trappola tra terrorismo e narcisismo filmico.

120 battements par minute di Robin Campillo, premiato a Cannes, mostra tutta la consapevolezza del discorso militante, elaborando il rapporto tra parola, pensiero, gesto e lotta, nella complessa distanza tra corpo sociale e destini individuali.

Ibridando fiction e documentario, A fábrica de nada di Pedro Pinho, presentato a Cannes nella Quinzaine, è un film sulla sopravvivenza fatto con chi cerca di rispondere alla dittatura soft della crisi permanente intesa come modello di dominio.

Il nuovo film di Sylvain George, Paris est une fête, è un'opera in 18 movimenti che ribadisce lo stato d'urgenza francese e la necessità di un cinema politico in cui il reale investa l'atto creativo.

Proponiamo per la prima volta al pubblico italiano tre pezzi tratti da Rouge, rivista online edita tra il 2003 e il 2009, seminale nell'ambito della "nuova cinefilia". A cominciare da uno studio ironico e dettagliato sull'arte del riciclo scenografico a Hollywood.

Scrivimi fermo posta di Lubitsch, L’assassinio di un allibratore cinese di John Cassavetes, Go Go Tales di Ferrara: tre film sull'invasività del motivo di profitto, l'alienazione e la reificazione delle relazioni umane nel regime capitalista.

La donna, la bestia, la preda. Sulla [s]connessione tra l’umano e l’animalesco, dal King Kong di Cooper e Schoedsack fino al remake di Peter Jackson, passando per Gene Kelly, Stanley Donen e Marco Ferreri.

Con Good Time, i fratelli Joshua e Ben Safdie arrivano in concorso al Festival di Cannes: un cinema primario, il loro, inteso come immersione in luoghi e corpi, con una fortissima componente “documentaria”.

Fin dagli esordi, i Safdie lottano contro un’idea e un modello di cinema al quale sanno di non poter sfuggire. Tra limiti autoimposti, calcolati depistaggi narrativi e inattese intimità, il racconto di una lunga e ricercata libertà.

Sulla scorta di Panico a Needle Park e Christiane F., il terzo lungometraggio dei fratelli Safdie, Heaven Knows What, porta sul grande schermo l'esperienza autobiografica della sua giovane protagonista Arielle Holmes.

Un percorso anomalo nel cinema hollywoodiano degli anni Sessanta e Settanta, dalle prime crepe nello Studio System al “ritorno all'ordine” dei movie brats. Quando l'America dei sogni si tramutava nell'America degli incubi.

Two Weeks in Another Town di Vincente Minnelli smaschera la chimera fondativa del fare produttivo e il mal di testa di chi, rifugiatosi a lungo nell'iperattività hollywoodiana, ora viene restituito alla dimensione dell'essere.

Risposta muscolare alla crisi di Hollywood, Cleopatra di Mankiewicz rappresenta il massimo esempio della tarda fase del kolossal, destinato a collassare sotto il proprio peso, prima che arrivino i movie brats a spazzarlo via del tutto.

Enciclopedia fuori tempo massimo delle situazioni comiche, Questo pazzo, pazzo, pazzo, pazzo mondo di Stanley Kramer coincide con le inquietudini di un'epoca in trasformazione, che esige linguaggi nuovi.

Con Fedora Billy Wilder mostra come Hollywood sia definitivamente un luogo spettrale, foriero di idee non reversibili e marcescenti: proprio come l’iter psicologico cui viene sottoposta la sua protagonista che, anche da viva, è sempre morta.